THÉORIE DE LA MUSIQUE : guide de la théorie de la musique​

Théorie de la musique : Voix et harmonie

La combinaison des parties vocales crée également une harmonie. Les voix combinées d’un chœur en sont un parfait exemple. Les multiples voix qui composent un chœur se mélangent pour produire un son harmonieux. Cependant, toutes les harmonies ne sont pas agréables à l’oreille. Ainsi, Il existe deux principaux types d’harmonie : dissonante et consonante.
En premier lieu, l’harmonie dissonante ajoute des notes qui ne sonnent pas agréablement lorsqu’elles sont jouées ensemble. Le résultat ajoute de la tension et rend l’accord instable. Cette tension se relâche en se résolvant en accords consonants. Les exemples d’intervalles dissonants sont les secondes, les septièmes et les neuvièmes.
En second lieu, l’harmonie consonante sonne stable et agréable. Toutes les notes d’un accord consonant ont des intervalles qui jouent agréablement ensemble. Les accords consonants s’enchaînent également de manière fluide dans une progression. Les exemples d’intervalles consonants sont l’unisson, les tierces, les quintes et les octaves. Les musiciens combinent des harmonies consonantes et dissonantes pour rendre la musique plus excitante et intrigante.La théorie musicale est une pratique que les musiciens utilisent pour comprendre et communiquer le langage de la musique. La théorie musicale examine les principes fondamentaux de la musique. Elle fournit également un système pour interpréter les compositions musicales.
Par exemple, la théorie musicale de base définit les éléments qui forment l’harmonie, la mélodie et le rythme. Elle identifie les éléments de composition tels que la forme de la chanson, le tempo, les notes, les accords, les signatures de clé, les intervalles, les gammes, et plus encore. Elle reconnaît également les qualités musicales telles que la hauteur, le ton, le timbre, la texture, la dynamique, et autres.

Théorie de la musique : Pourquoi étudier la théorie musicale ?

L’apprentissage des bases théoriques musicales est essentiel pour renforcer la créativité et développer ta conscience musicale.
Savoir comment fonctionne la musique facilitera le processus de production musicale et t’aidera à devenir un musicien efficace.
L’apprentissage du solfège est-il obligatoire ? 
L’apprentissage du solfège n’est absolument pas obligatoire compte tenu que la musique est un art de la répétition et de l’imitation.
Le solfège est ce qu’est l’écriture à la parole. Tu peux savoir très bien parler et être un grand orateur sans forcément savoir écrire. Mais qui peut le plus peu le moins, voici quelques éléments intéressants que t’apporterons le solfège.
Améliorer ton développement musical, te faciliter la construction de progressions d’accords et de mélodies. Également, accélérer ton flux de travail, faciliter la communication avec d’autres musiciens ? De plus cela te permet d’améliorer vos compétences en matière d’arrangement de chansons. Note que la théorie musicale n’est pas un ensemble de règles ou de directives que tu dois absolument suivre. C’est seulement un outil qui t’aide à comprendre et à expliquer le fonctionnement de la musique.
La théorie musicale est un sujet complexe et vaste. Il existe plusieurs pratiques, disciplines et concepts.
Il est préférable d’apprendre d’abord les bases de la musique avant d’explorer la théorie musicale avancée. Les éléments constitutifs qui forment les compositions musicales sont les suivants :
Harmonie, Mélodie, Rythme.
L’apprentissage de la théorie musicale de base est essentiel pour améliorer la créativité et développer la conscience musicale. C’est un ensemble de compétences difficiles mais enrichissantes à apprendre. Savoir comment fonctionne la musique facilitera le processus de production musicale et t’aidera à devenir un producteur de musique efficace.

Théorie de  la musique: l’apprentissage de la théorie musicale est-il obligatoire ?

Non. Cependant, tu peux bénéficier de l’apprentissage de certains aspects de la théorie musicale.
Par exemple, apprendre la théorie musicale de base te permettra de :
1-Améliorer ton développement musical
2-T’aider à comprendre comment fonctionne la musique
3-T’aider à surmonter les blocages créatifs
4-Faciliter la construction de progressions d’accords et de mélodies
5-T’aider à prendre des décisions éclairées en matière de composition
6-exprimer et à évoquer des émotions
7-Améliore tes compétences d’écoute critique
8-Accélère ton flux de travail
9-Améliore tes compétences en matière de forme musicale
10-Facilite la communication avec d’autres musiciens
11-Approfondis ton appréciation de la musique
12-Améliore tes compétences en improvisation
13-Améliore tes compétences en matière d’arrangement de chansons
14T’aider à découvrir de nouvelles possibilités créatives
Remarque : La théorie musicale n’est pas un ensemble de règles ou de directives que tu dois suivre. C’est seulement un outil qui t’aide à comprendre et à expliquer comment fonctionne la musique.

Théorie de  la musique : Qu’est ce que la mélodie en musique ?

Tout comme l’harmonie est la principale façon d’organiser les notes et les hauteurs verticalement, la principale façon de les organiser horizontalement est la mélodie.
Une mélodie est une série de notes jouées dans un ordre qui est mémorable et reconnaissable comme une unité distincte.
La mélodie est une succession de notes ou de voix disposées en une phrase musicale. La mélodie d’une chanson est souvent la partie la plus mémorable et la plus reconnaissable.
Les mélodies peuvent être créées avec des instruments ou des voix. Elles comportent deux notes ou plus dans une séquence qui sonne musicalement agréable. La plupart des compositions se composent de plusieurs mélodies qui se répètent.
Les deux principaux éléments d’une mélodie sont la hauteur et le rythme. La hauteur est la vibration audio produite par un instrument ou une voix.
L’agencement de différentes hauteurs dans une série crée une mélodie. Le rythme ou la durée est la longueur du son de chaque note. Ces durées sont divisées en divisions de temps. Les mélodies ont également deux types de mouvement mélodique : conjoint ou disjoint.
Le mouvement conjonctif est le plus naturel et le plus confortable à jouer. Effectivement, les sauts entre les notes sont plus courts.
Le mouvement disjoint lui, présente des sauts plus importants entre les notes. De grands sauts d’intervalle entre les notes peuvent rendre la mélodie difficile à jouer ou à chanter. Le mouvement disjoint est également moins mémorable et moins doux.
Les musiciens combinent les mouvements conjoints et disjoints pour donner aux mélodies plus de variation et d’intérêt.
La mélodie est une succession de notes ou de voix arrangées en une phrase musicale. La mélodie d’une chanson est souvent la partie la plus mémorable et reconnaissable.
Les mélodies peuvent être créées avec des instruments ou des voix. Elles comportent deux notes ou plus dans une séquence qui sonne musicalement agréable. La plupart des compositions se composent de plusieurs mélodies qui se répètent.

Théorie de  la musique : Les deux principaux éléments d’une mélodie sont la hauteur et le rythme :

La hauteur est la vibration audio produite par un instrument ou une voix. C’est la hauteur ou la profondeur du son d’une note. L’agencement de ces hauteurs dans une série crée une mélodie.
Le rythme ou la durée est la longueur du son de chaque note. Ces durées sont divisées en divisions de temps comme les notes entières, les demi notes, les quarts de note, les triolets, etc.
Les mélodies ont également deux types de mouvement mélodique : conjonctif ou disjonctif.
On parle de mouvement conjonctif lorsque les notes se déplacent par pas entiers ou par demi-pas. Le mouvement conjonctif est aussi le plus naturel et le plus confortable à jouer et à chanter. Les sauts entre les notes sont plus courts.
Le mouvement disjoint présente des sauts plus importants entre les notes. Les grands sauts d’intervalle entre les notes peuvent rendre la mélodie difficile à jouer ou à chanter. Le mouvement disjoint est également moins mémorable et moins doux.
Les musiciens combinent les mouvements conjoints et disjoints pour donner aux mélodies plus de variation et d’intérêt.

Théorie de  la musique : Comment définir l’harmonie ?

On parle d’harmonie lorsque plusieurs notes ou voix jouent simultanément pour produire un nouveau son. Les sons combinés dans les harmonies se complètent et sonnent agréablement.
Les accords et les progressions d’accords sont des exemples d’harmonie. Un accord comporte trois notes ou plus qui jouent en même temps. Les accords et les progressions d’accords d’un morceau de musique soutiennent ou complètent la mélodie.
La combinaison des parties vocales crée également une harmonie. Les voix combinées d’un chœur en sont un parfait exemple. Les multiples voix qui composent un chœur se mélangent pour produire un son harmonieux. Cependant, toutes les harmonies ne sont pas agréables à notre oreille. Il existe deux principaux types d’harmonie : dissonante et consonante.
L’harmonie dissonante ajoute des notes qui n’ont pas un son agréable lorsqu’elles sont jouées ensemble. Le résultat ajoute de la tension et rend l’accord instable. Cette tension se relâche en se résolvant en accords consonants. Les exemples d’intervalles dissonants sont les secondes, les septièmes et les neuvièmes.
L’harmonie consonante sonne stable et agréable. Toutes les notes d’un accord consonant ont des intervalles qui jouent bien ensemble. Les accords consonants s’enchaînent également de façon fluide dans une progression. Les exemples d’intervalles consonants sont l’unisson, les tierces, les quintes et les octaves.
Les musiciens combinent des harmonies consonantes et dissonantes pour rendre la musique plus excitante et intrigante.

Théorie de  la musique : QU’EST-CE QUE LE RYTHME EN MUSIQUE ?

La musique se compose d’une combinaison de trois éléments fondamentaux : la mélodie, l’harmonie et le rythme. La structure rythmique d’une chanson détermine quand les notes sont jouées, pendant combien de temps et avec quel degré d’accentuation.
En outre, Le rythme décrit également un modèle de notes ou de voix fortes et faibles qui se répète tout au long d’une chanson. Ces motifs peuvent être créés avec des tambours, des percussions, des instruments et des voix. Voici les éléments de base qui composent le rythme musical. Le rythme est une impulsion répétitive qui sous-tend un motif musical.
La mesure est un découpage de la musique. C’est un modèle spécifique d’impulsions fortes et faibles. La signature temporelle est l nombre de battements par mesure. Le Tempo ou BPM (beat per minute) indique la vitesse ou la lenteur d’un morceau de musique. Tu peux mesure la vitesse d’une chanson grace à un métronome. Les temps forts et les temps faibles qui représentent respectivement les temps 1 et 3 puis 2. Les contretemps ou syncopes qui accentuent le rebond des temps. Les accents qui reflètent l’intensité ou à l’accentuation des notes. Ainsi, comprendre le rythme t’ aidera à créer de superbes harmonies et mélodies. De plus, la section rythmique ou la pulsation propulse un morceau de musique. 
Elle sert de colonne vertébrale rythmique aux autres éléments musicaux. La signature rythmique est toujours indiquée en début de partition. Elle t’indique de quoi est composé d’un point de vue rythmique tes mesures.
Le rythme est un élément essentiel de la musique qui a plus d’une signification. Par exemple :
Le rythme est un mouvement récurrent de notes et de repos (silences) dans le temps. C’est la perception humaine du temps.
Le rythme décrit également un motif de notes ou de voix fortes et faibles qui se répète tout au long d’une chanson. Ces motifs peuvent être créés avec des tambours, des percussions, des instruments et des voix.

Théorie de  la musique : Les éléments de base qui composent le rythme musical

Beat – Une pulsation répétitive qui sous-tend un motif musical
Mètre – Un motif spécifique de pulsations fortes et faibles
Signature temporelle – Le nombre de battements par mesure
Tempo (BPM) – Indique la vitesse ou la lenteur d’un morceau de musique
Temps forts et temps faibles – Les temps forts sont les temps faibles, et les temps faibles sont les temps morts entre les temps forts et les temps faibles.
faibles sont les temps morts entre les temps morts.
Syncopation – Rythmes qui accentuent ou soulignent les contretemps.
Accents – Fait référence à l’intensité ou à l’emphase placée sur les notes
Comprendre le rythme t’aidera à créer de superbes harmonies et mélodies.
De plus, la section rythmique ou la pulsation propulse un morceau de musique. Elle fait office de colonne vertébrale rythmique pour les autres éléments musicaux.

Théorie de  la musique : Les bases de la théorie musicale

Ce guide de base de la théorie musicale pour les débutants examine les principes fondamentaux de la musique. Il donne également un aperçu des éléments de base de la musique qui forment l’harmonie, la mélodie et le rythme.

Théorie de  la musique : Notes et intervalles musicaux

Commençons ce guide de théorie musicale pour les débutants par l’harmonie et la mélodie. Cette section décrit toutes les notes disponibles et les relations spécifiques entre elles.

Théorie de  la musique : Théorie musicale de base – Notes du clavier du piano

L’alphabet de la musique
Les notes sont les éléments constitutifs de toute musique. L’alphabet musical se compose de sept lettres : A, B, C, D, E, F, G. Chaque note a une hauteur unique.
Les 12 touches de la musique
Il y a 12 notes sur le clavier du piano : A, A#/B♭, B, C, C#/D♭, D, D#/E♭, E, F, F#/G♭, G, G#/A♭.
Les mêmes 12 notes se répètent vers le haut et vers le bas dans les octaves.

Touches blanches

Les touches blanches d’un piano jouent les notes “naturelles” d’une gamme : A, B, C, D, E, F, G.
En jouant uniquement sur les touches blanches, tu te trouves dans la tonalité de do majeur ou de la mineur.

Touches noires

Les touches noires d’un piano jouent les notes “bémol” et “dièse” d’une gamme : A#/B♭, C#/D♭, D#/E♭, F#/G♭, G#/A♭.
Chaque note a un symbole : ♭ pour le bémol et # pour le dièse. Jouer une combinaison de clés blanches et noires te permet d’écrire dans toutes les signatures de clé disponibles.

Intervalles

Un intervalle est une distance entre deux notes. Il existe plusieurs intervalles. Mesure ces intervalles en fonction du nombre de demi-pas, de pas entiers et de leur position dans la gamme.
Un intervalle de demi-ton correspond à un demi-ton
Un intervalle de ton entier correspond à deux demi-tons
Deux demi-tons font un ton entier
Les intervalles sont également la base de l’harmonie et de la mélodie. Jouer deux notes ou plus en même temps crée des intervalles harmoniques (accords). Jouer des notes simples dans une séquence crée des intervalles mélodiques (mélodies).
De plus, nous décrivons les intervalles par leur nombre (distance) et leur préfixe (qualité). Le numéro de l’intervalle représente le nombre de demi-pas entre deux notes. Ces nombres sont : 1er (unisson), 2ème, 3ème, 4ème, 5ème, 6ème, 7ème et 8ème (octave).
Enfin, les intervalles utilisent un préfixe pour décrire leur qualité. Les cinq qualités d’intervalles sont majeure (M), mineure (m), parfaite (P), augmentée (A) et diminuée (d).

Octaves

Les octaves sont la hauteur suivante la plus haute ou la plus basse de la même note. L’intervalle entre une note et une note double de sa fréquence est une octave. Par exemple, une octave supérieure à C1 sur un piano est C2. Une octave inférieure serait C0. Il y a 12 demi-tons dans l’octave. Ces hauteurs se répètent dans le même ordre sur toute la gamme de l’audition humaine.

Signatures de clé

Les signatures de clé t’indiquent quelles notes d’une gamme sont aiguës (♯) ou plates (♭). Il existe douze signatures de clé, chacune dérivée des douze notes disponibles.
Les signatures de clé aident également à identifier la clé d’une chanson, qui est le centre tonal. Par exemple, une chanson dans la tonalité de la mineur utilise les notes de la gamme de la mineur.

Gammes et modes musicaux

Les gammes musicales sont les éléments constitutifs de la musique. Comprendre les gammes musicales et leurs fonctions est essentiel pour apprendre la théorie musicale de base.
Cette section présente les deux gammes les plus courantes, leurs degrés et les sept modes musicaux.

Gammes musicales

Une gamme musicale est un ensemble de notes d’une octave classées selon leur hauteur. Les relations d’intervalle ascendant ou descendant entre les hauteurs des notes définissent chaque gamme. De plus, les notes d’une gamme forment des mélodies et des harmonies.
Il existe plusieurs types de gammes. Cependant, les deux principaux types sont la gamme majeure et la gamme mineure. Tu peux construire des gammes majeures et mineures à partir de n’importe quelle note. La façon dont tu les utilises dépend du modèle d’intervalles que tu utilises.

Gammes majeures

Il existe douze gammes majeures naturelles possibles. Les gammes majeures naturelles ont une sonorité brillante, entraînante et joyeuse.
Les sept notes de toutes les gammes majeures suivent le même modèle d’intervalles : W-W-H-W-W-W-H (entière-moitié-entière-moitié-entière-moitié-entière).

Gammes mineures

Les gammes mineures naturelles ont un son sombre, triste et émotionnel. Les sept notes de toutes les gammes mineures suivent le même modèle d’intervalle : W-H-W-W-H-W-W (entier-moitié-entier-entier-moitié-entier-entier).
Il existe douze gammes mineures naturelles possibles. De plus, il existe trois variations de la gamme mineure : naturelle, harmonique et mélodique.

Degrés de la gamme

Chaque note d’une gamme a un nom spécifique lié à sa fonction, appelé degré de la gamme. Le nom correspond à la fonction, et un chiffre indique sa position sur la gamme.
Il existe sept degrés de la gamme. Ces noms s’appliquent à toutes les gammes majeures et mineures. En apprendre plus sur ces fonctions nous emmène dans la théorie musicale avancée. Pour l’instant, il est bon de connaître les noms :
1er – Tonique
2ème – Supertonique
3ème – Médiante
4ème – Sous-dominante
5ème – Dominante
6ème – Submédiant
7ème – Tonalité dominante
La musique peut créer et relâcher une tension. La fonction d’un degré de la gamme est liée à la quantité de tension créée. Elle t’aide également à décider quelle(s) note(s) doit (doivent) suivre pour résoudre la tension.
De plus, il est difficile de se souvenir des différentes hauteurs des gammes majeures et mineures. Se référer aux degrés de la gamme par des chiffres plutôt que par des notes permet de s’en souvenir plus facilement.

Modes musicaux

Les modes musicaux sont des gammes dérivées d’une gamme mère. Il existe sept modes musicaux.
Chaque mode est une légère variation d’une gamme. Ils utilisent toutes les mêmes notes et modèles d’intervalles que la gamme mère.
La principale différence est la note fondamentale utilisée pour construire la gamme. Commencer une gamme sur une note différente définit le centre tonal, ce qui lui donne des caractéristiques mélodiques distinctes.

Les sept modes musicaux sont les suivants :

I – Ionien (échelle majeure)
ii – Dorien (gamme majeure commençant sur le 2ème degré)
iii – Phrygien (gamme majeure commençant au 3ème degré)
IV – Lydien (gamme majeure commençant au 4ème degré)
V – Mixolydien (gamme majeure commençant au 5e degré)
vi – Éolienne (gamme mineure naturelle ou gamme majeure commençant au 6e degré)
vii – Locrien (gamme majeure commençant au 7e degré)
L’apprentissage des modes musicaux va au-delà de la théorie musicale de base et est plus avancé. Cependant, il est utile de se familiariser avec ces termes et les fonctions de base.

Contrepoint

Le contrepoint est la relation entre deux ou plusieurs lignes mélodiques jouées en même temps. Ces mélodies ou voix travaillent ensemble pour créer des harmonies au son agréable.
Les mélodies qui créent le contrepoint dépendent les unes des autres pour créer l’harmonie. Cependant, elles sont indépendantes au niveau du rythme et du contour.

Accords et extensions d’accords

Les accords sont les éléments constitutifs harmonieux de la musique. Ils évoquent l’émotion et servent de base à la création de mélodies.
Savoir comment construire des accords et comment ils interagissent entre eux est essentiel lors de l’apprentissage du solfège. Cette section examine les types d’accords de base, les extensions d’accords et les renversements.

Accords musicaux

Un accord est une combinaison de deux notes ou plus jouées en même temps. Ils sont construits à partir d’une seule note de départ appelée la fondamentale.
Tu peux créer des accords à partir des douze notes. Il existe également quatre types d’accords de base dans la musique :
Majeur – A une tierce majeure et une quinte parfaite au-dessus de la fondamentale
Mineur – A une tierce mineure et une quinte parfaite au-dessus de la racine
Diminué – A une tierce mineure et une quinte diminuée au-dessus de la fondamentale
Augmenté – A une tierce majeure et une quinte augmentée au-dessus de la fondamentale
Les accords et les progressions d’accords d’un morceau de musique soutiennent ou complètent la mélodie.

Accords en triade

Les accords les plus fondamentaux sont les triades. Une triade est un accord composé de trois notes. Les triades ont une note fondamentale, une tierce (quatre demi-tons au-dessus de la fondamentale) et une quinte parfaite (sept demi-tons au-dessus de la fondamentale).
Les triades sont également la base d’accords plus complexes. Par exemple, tu peux créer des accords de septième et de neuvième en ajoutant des notes au-dessus d’une triade.

Accords de septième

Un accord de septième ajoute une note au-dessus de la triade de base. Les accords de septième ont une note fondamentale, une tierce, une quinte parfaite et une septième.
Par exemple, un accord de septième en do majeur a les notes : C-E-G-B. Il existe également cinq types principaux d’accords de septième : majeur, mineur, dominant, diminué et demi-diminué.

Accords majeurs

Les accords majeurs ont une note fondamentale, une tierce majeure et une quinte parfaite. Un accord avec ces trois notes seules est une triade majeure.
Par exemple, une triade majeure C a les notes : C-E-G. Tu peux aussi ajouter des notes pour construire des accords plus complexes.

Accords mineurs

Les accords mineurs ont une note fondamentale, une tierce mineure et une quinte parfaite. Un accord avec ces trois notes seules est une triade mineure.
Par exemple, une triade de do mineur a les notes C-E♭-G. Tu peux aussi ajouter des notes pour construire des accords plus complexes.

Accords diminués

Les accords diminués ont un son tendu, dissonant et dramatique. Ils ont une note fondamentale, une tierce mineure et une quinte diminuée (six demi-tons au-dessus de la fondamentale).
Par exemple, une triade diminuée C a les notes : C-E♭-G♭.

Accords augmentés

Les accords augmentés ont un son dissonant, troublant et mystérieux. Ils ont une note fondamentale, une tierce majeure et une quinte augmentée (huit demi-tons au-dessus de la fondamentale).
Par exemple, une triade augmentée C a les notes : C-E-G#.

Extensions d’accords

Les extensions d’accord sont des notes ajoutées à la triade de base au-delà de la septième. Ces notes s’étendent jusqu’à l’octave suivante. Il existe quatre extensions d’accords : la 9ème, la 11ème et la 13ème.
Les accords étendus créent un son plus riche et plus complexe sur le plan harmonique que les triades majeures et mineures de base. Ils offrent également des possibilités supplémentaires pour diriger les voix, ce qui rend les progressions d’accords plus intéressantes.

Renversements d’accords

Les renversements d’accords sont des variations du même accord. En transposant la note inférieure d’un accord à l’octave suivante, on obtient une inversion.
Il existe deux principales inversions d’accords : la première inversion et la deuxième inversion.
Première inversion – Transpose la note de base vers le haut d’une octave. La tierce de la triade devient la note basse.
Deuxième inversion – Transpose à nouveau la triade inversée. La quinte de la triade devient la note de basse.
Les renversements d’accords ajoutent de la variation, de l’excitation et des transitions plus douces dans les progressions d’accords. Plus un accord a de notes, plus il y a de renversements possibles.

Progression d’accords

Une progression d’accords ou une progression harmonique est une série ordonnée d’accords. Les progressions d’accords soutiennent à la fois la mélodie et le rythme. Elles constituent également la base pour créer l’harmonie et la mélodie.
De plus, la tonalité détermine les accords utilisés dans une progression. Une progression peut également se composer d’accords majeurs et mineurs.

Analyse des chiffres romains

Les chiffres romains indiquent les accords dans une progression. Ils identifient la clé musicale et la note fondamentale de chaque accord. Par exemple, “IV” signifie que l’accord est construit sur le quatrième degré d’une gamme.
Les chiffres romains en majuscules représentent les accords majeurs, tandis que les chiffres en minuscules représentent les accords mineurs. Par exemple, une progression d’accords dans la tonalité de do majeur ressemblerait à I-vi-IV-V (C-Am-F-G).
Approfondir ce sujet va au-delà de la théorie musicale de base. Cependant, il est utile de présenter ce système numérique.

Conduite de la voix

La conduite de la voix est le mouvement linéaire entre les lignes mélodiques ou les voix pour créer une seule idée musicale. Cette technique se concentre sur le mouvement fluide des notes d’un accord à l’autre en utilisant des sonorités communes.
Le Voice leading minimise également les transitions verticales et horizontales entre les notes dans une progression d’accords ou une mélodie. Ces petits mouvements sonnent plus naturels et plus agréables.
Lorsque tu crées une progression d’accords, utilise des accords harmoniquement liés. Ils peuvent partager des notes similaires ou avoir des renversements pour rendre le mouvement par étapes plus fluide. Par exemple, un accord de do majeur et un accord de la mineur ont tous deux les notes mi et do.

Théorie de  la musique : Conclusion

La théorie musicale te permettra de mieux comprendre la musique. Mais il est également essentiel de se rappeler que la théorie musicale n’est pas une règle stricte. C’est un outil qui t’aide à créer, comprendre et communiquer la musique.

Théorie de la musique pour la guitare

Tu as du mal à apprendre des chansons, à te souvenir de leurs parties et à comprendre leurs structures ?
Es-tu coincé dans une ornière en essayant de composer ta propre musique ?
Tu aimerais être capable d’improviser et de jammer spontanément ?
Combien de fois as-tu appris quelque chose de nouveau à la guitare sans trop savoir quoi en faire ?
As-tu remarqué que de nombreux supports d’apprentissage de la guitare sur le marché proposent des leçons qui t’apprennent le “quoi” mais pas toujours le “pourquoi” et le “comment” ?
Que dois-tu faire pour mieux jouer de la guitare ?
Sans savoir comment fonctionne la musique, tu vas avoir du mal avec tout ce que tu fais à la guitare. La théorie musicale te fournit les connaissances et le savoir-faire nécessaires pour rassembler tous les éléments de la musique afin que tu puisses faire fonctionner la musique pour toi et avoir un contrôle total sur ce que tu joues.

Théorie musicale pour la guitare

De manière générale, la théorie musicale est l’étude de la musique, de ses éléments et de son fonctionnement. C’est la façon dont tu analyses, classifies et composes la musique et les éléments de la musique. Au sens traditionnel, la théorie musicale concerne également la façon dont la musique est notée, la façon dont la musique est interprétée et l’interrelation entre les deux. On pourrait dire que la théorie musicale est la mécanique de la musique écrite et jouée.

Théorie de la guitare

Alors que la théorie musicale concerne la musique en général, la théorie de la guitare concerne spécifiquement la guitare. En général, elle ne comprend que les aspects de la musique qui permettent aux guitaristes de se repérer sur le manche, de jouer de la musique et de composer.
Tu n’iras pas loin à la guitare sans apprendre les formes d’accords, les modèles de gammes, les progressions d’accords, les positions de notes et les intervalles. Tu n’accompliras pas grand-chose si tu ne comprends pas les clés, les modes, l’harmonie, les relations entre les accords et les applications des gammes. Sans une certaine compréhension du rythme et sans développer la technique, ton jeu ne prendra jamais forme. De nombreux joueurs qui ne comprennent pas les rouages de la musique sont limités dans leur capacité à appliquer ce qu’ils savent. Par exemple, un élève peut apprendre un nouveau modèle de gamme dans un livre de gammes ou une nouvelle forme d’accord dans un tableau d’accords mais n’avoir aucune idée de la place qu’il occupe dans les chansons. Sans savoir comment quelque chose fonctionne, c’est à peu près inutile.
Alors, à quoi sert la théorie de la guitare ? La théorie de la guitare explique ce que sont les éléments musicaux, ce qu’ils font et comment ils s’assemblent. Par exemple, une nouvelle forme d’accord peut être considérée comme une extension d’un accord barré commun. Partout où cet accord barré commun est joué, la nouvelle forme peut être substituée pour un nouveau son. Un modèle de gamme peut être associé à une progression d’accords spécifique. Chaque fois que cette progression est utilisée, les tons de la gamme peuvent ajouter de la mélodie et de l’harmonie.
En musique, savoir comment les pièces s’assemblent fait toute la différence. Les avantages de la théorie de la guitare sont notamment de t’équiper pour jouer des chansons, composer ta propre musique et improviser.

Théorie de la gamme de la guitare

En musique, une gamme est une série de notes jouées de façon ascendante et descendante. Les gammes sont utilisées pour jouer des mélodies, des riffs, des solos et des lignes de basse. Les notes de la gamme forment des motifs sur le manche, que les guitaristes jouent au doigt et au médiator, position après position. Pour réussir à utiliser les gammes, il ne suffit pas de mémoriser leurs motifs, et c’est là que la théorie musicale, ou dans ce cas, la théorie des gammes, entre en jeu. As-tu déjà vu un guitariste apprendre les changements d’accords de base d’un morceau de musique, puis commencer instantanément à improviser en utilisant des gammes ? Un guitariste compétent sait comment les gammes sont liées aux accords et peut combiner les deux à la volée. Les différents types de gammes produisent différents types de sons, du majeur au mineur, de la pop au blues. Un guitariste polyvalent comprend le fonctionnement des modes de gammes et sait ce qui est approprié dans chaque situation.

Modèle de guitare pentatonique

Le motif de gamme pentatonique est peut-être le motif de gamme le plus connu et le plus utilisé à la guitare. Elle peut produire un son majeur, mineur ou blues selon la façon dont elle est appliquée. Essaie de jouer ces notes une par une, de la note la plus grave à la note la plus aiguë, puis inverse ta direction.

Théorie des accords à la guitare

En musique, un accord est un groupe de notes qui sonnent ensemble en harmonie. L’une des premières choses que les guitaristes débutants apprennent est de doigter une forme d’accord de base et de gratter un groupe de cordes. Les accords sont généralement à la base de chaque chanson et aident à établir la tonalité d’un morceau de musique.
La théorie des accords est l’étude de la façon dont les accords sont construits et comment les différents accords sont liés les uns aux autres. Cela inclut la connaissance de la structure de base des accords, la différence entre majeur et mineur, l’utilisation de tonalités d’accords ajoutées et d’extensions, et le concept de la conduite de la voix. Les guitaristes utilisent des formes d’accords fragmentés, des renversements d’accords et des voicings d’accords, et tout cela découle de leur connaissance de la construction des accords. Si le fait de simplement mémoriser les doigtés d’accords est un bon moyen de commencer à jouer de la guitare, c’est en apprenant la théorie des accords que tu développeras une connaissance pratique de la musique et que tu deviendras un joueur compétent. L’une des meilleures façons d’apprendre comment les accords sont formés sur le manche est d’étudier le système CAGED spécifique à la guitare.

Progression des accords guitare

La théorie des accords implique également l’étude des progressions d’accords, qui sont les façons dont les accords sont assemblés pour former une série de changements d’accords. Lorsque les accords changent, ils déterminent le mouvement de la musique et la structure d’une chanson. Pour composer une progression d’accords, tu dois comprendre les relations entre les accords et les concepts impliquant la façon dont les accords mènent les uns aux autres et passent les uns des autres. Comment se fait-il que certains guitaristes semblent savoir ce qui va suivre dans une chanson même si c’est la première fois qu’ils la parcourent ? Parce que les progressions d’accords suivent généralement des modèles prévisibles avec leurs mouvements basés sur des structures de gammes familières et des systèmes de chiffres simples. Tu apprends à connaître les progressions d’accords de guitare et le jeu par numéros en travaillant avec les accords produits par la gamme majeure et ses sept degrés de gamme.